"Esf-Games" - La Guitarra

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La música
La música, del griego: mousike [téchne], "el arte de las musas" es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

Tabla de contenidos:
1 Definición de música
2 Elementos de la música
3 Parámetros de la música
4 Cultura y música
5 Música y emociones

1- Definición de música
Las definiciones parten desde el seno de una cultura, y así, el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De ésta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas al momento de expresar qué se entiende por música.
Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una formulación perceptible, coherente y significativa). Ésta definición parte de que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del "flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).
Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la función estética (es decir, es un arte).
Según el compositor Claude Debussy, la música es "un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor.
Una de las definiciones más tradicionales es "la música es el arte de ordenar los sonidos en el tiempo".
Las teorías de los antiguos filósofos griegos concuerdan con las especulaciones de los eruditos en la época medieval, definiendo a la música como un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal (melodías) y vertical (armonía). Este orden o estructura que deben tener un grupo de sonidos para ser llamados música esta por ejemplo presente en las aseveraciones del filósofo Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo a la última como "música congelada". La mayoría coincide en el aspecto de la estructura, pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable. Para comprender el desarrollo de esta maravillosa forma de arte, exploraremos su evolución en occidente, tanto en su tradición clásica o docta y sus formas populares.

2- Elementos de la música
La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los silencios.
El sonido (que suena) es la sensación percibida por el oído, que recibe las variaciones de presión producidas generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros y que se transmiten por el medio que los separa que generalmente es el aire. La ausencia perceptible de sonido es el silencio; que es relativo, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza al haber atmósfera.
El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:
* La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro, es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico, es decir, alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.
* La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que ésta contenga.
* La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
* El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos, es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

3- Parámetros de la música
La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios varía de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).
* La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido—si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
* La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
* El ritmo, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares y en ciertas ocasiones irregulares de sonidos fuertes o débiles, y silencios en una composición.
Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.

4- Cultura y música
Todas las culturas tienen manifestaciones musicales. Incluso se ha demostrado que las ballenas se comunican gracias a un lenguaje sonoro que podríamos llamar musical al igual que la mayoría de las aves, lo que sugiere un posible origen filogenético común.
La música está ligada a un grupo social y a sus acontecimientos, y es expresión de éstos últimos. Estos acontecimientos no son universales, por tanto no podemos decir que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su contenido, significado e interpretación. Por ejemplo, es probable que las obras de Mozart carezcan de sentido musical para un indígena quien entiende la música a partir estructuras psíquicas diferentes a las del mundo occidental.
El compositor (creador de música), delega en el intérprete (emisor) la ejecución de sus obras que en ocasiones, transmiten en la música determinados hechos y sentimientos a través de una secuencia de sonidos. También existen culturas musicales que no tienen en cuenta la separación occidental entre creador/intérprete ya que la música es improvisada principalmente.

5- Música y emociones
La música, como parte de un proceso compositivo de raíz psico-anímica, tiene una importante base emocional-sentimental. Ejemplo de ello es que la mayor parte de la música popular contemporánea gira en torno a temas relacionados con el amor y sus vicisitudes (desengaños, apasionamiento...). En base a ello, los diferentes estilos musicales que han ido surgiendo a lo largo de la historia se han relacionado en mayor o menor medida con la diversidad de emociones y sentimientos de la experiencia humana (el amor, la muerte, la búsqueda de la felicidad). Así, por ejemplo, en la época del Romanticismo la música instrumental es considerada la mejor y más perfecta forma artística para expresar emociones que no se pueden decir con palabras. En la actualidad, con el surgimiento de la música popular de masas aparecen nuevos estilos que también podríamos relacionarlos en mayor o menor medida con la expresión de emociones. Por dar algunos ejemplos:
* El Jazz nace como expresión de libertad por parte de una población negra marginada, lo que se refleja en su alto grado de improvisación.
* El Heavy Metal puede estar relacionado con la agresividad, el enfado y la furia, aunque a menudo ha sido el canal de expresión de otros tipos de sentimiento.
* En cambio, algunos estilos de música de baile, como el Dance, están más relacionados con el hedonismo y el disfrute de la vida. El carácter repetitivo de los ritmos de baile puede tener una componente iniciática que llevaría idealmente al auditorio a un estado de catarsis con y por el baile.
En cualquier caso, la capacidad de la música de expresar emociones ha sido puesta en duda por importantes músicos como Igor Stravinski. Lo que parece demostrado es que las emociones que una música sugiere al auditorio están relacionadas con aspectos socioculturales e históricos, y no son universales.

Ella
La guitarra es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de madera, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero, generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten los diferentes tonos.
Es el instrumento más utilizado en géneros como blues, rock y flamenco. También es utilizada en géneros tales como rancheras y gruperas, además del folclore de varios países.
Cuando es más pequeño que una guitarra se denomina requinto y cuando es más grande guitarrón. Este último es de uso frecuente por los mariachis.

Indice:
1 Tipos de guitarra
1.1 Guitarras del Renacimiento y Barroco
1.2 Guitarra acústica
1.3 Guitarra de flamenco
1.4 Guitarras rusas
1.5 Guitarras eléctricas
1.6 Guitarras electroacústicas
1.7 Guitarras midi
1.8 Otras guitarras
2 Historia
3 Partes de la guitarra
4 Afinación
5 Ejecución

1 Tipos de guitarra
De ordinario, la guitarra clásica suele conocerse también como:
“Guitarra española”.
“Guitarra criolla”
“Viola” (Argentina y Uruguay).
“Guitarra Pridera” (la que usa Fedor, en el mundial de CANAS).
"Sonanta"
"Guitarra electroacústica"
Conviene respetar esas denominaciones, para distinguirlas de otros instrumentos con los que la guitarra está estrechamente emparentada y que tienen un uso tanto o más extendido que la propia guitarra española.
1.1 Guitarras del Renacimiento y Barroco
Las guitarras del Renacimiento y Barroco son ancestros de las guitarras clásicas. Son más delicadas y producen un sonido más débil. Son más fáciles de distinguir de otras guitarras, ya que su cuerpo es más delgado y plano.

1.2 Guitarra acústica
El adjetivo "acústica" es tomado directamente del inglés (acoustic guitar) por el uso que de dicho adjetivo hacen los anglófonos, para diferenciar la guitarra de caja con respecto a la guitarra eléctrica. Es claramente redundante, pues la guitarra, por definición, es un instrumento acústico. La guitarra acústica deriva de los diseños de C. F. Martin y Orville Gibson, principalmente, luthieres estadounidenses que desarrollaron su actividad principalmente a finales del s. XIX. Por ejemplo, para denominarlas los alemanes utilizan el adjetivo western (literalmente ‘guitarras del oeste’, como las películas), lo que se acerca más a su naturaleza y a la clase de música que las hizo populares.
La guitarra conocida comúnmente como "acústica" se caracteriza por tener normalmente una caja más ancha con "hombros" más rectos y un mástil más estrecho (aún admitiendo los innumerables tipos de guitarra acústica), pero su principal característica es que usa cuerdas metálicas, de níquel o acero. Ello produce una mayor resonancia y un sonido más agudo que una guitarra española.
Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin ningún tipo de amplificación eléctrica, sólo por transducción de la fuerza mecánica. Así las cosas, esta catalogación lleva a confusión, pues entre las guitarras "no eléctricas" hay dos tipos principales, que se distinguen por el tipo de cuerdas y la construcción del cuerpo: las guitarras llamadas "españolas" o "clásicas" (que tienen cuerdas de tripa, hoy nailon) y las llamadas "acústicas", con cuerdas metálicas y el cuerpo normalmente mayor. Las clásicas se tocan normalmente sentado aunque, como es usual en las acústicas y eléctricas, también pueden colgarse mediante una correa si se adaptan. En México, éstas son usadas en los mariachis y otras bandas.

1.3 Guitarra de flamenco
En España existe una variante muy extendida, similar a la guitarra clásica, de la que es difícil distinguirla a simple vista, conocida como guitarra de flamenco o "guitarra flamenca". Realmente, el repertorio clásico se incorporó a la guitarra relativamente tarde y la guitarra fue desde su más remota evolución un instrumento popular, por lo que no sería descabellado admitir que la guitarra auténtica es la de flamenco, mientras que la guitarra clásica es la evolución.[cita requerida]
Varía su sonido por una construcción ligeramente distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La guitarra flamenca tiene un sonido más percusivo, su caja es un poco más estrecha, y generalmente las cuerdas están más cerca del diapasón.
La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una guitarra clásica de concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución es más fácil y rápida, debido a la menor altura de las cuerdas, lo que permite que se pueda hacer menos presión con los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón.
Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de palo y se embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella.
Suele llevar debajo de la roseta o agujero un guardapúas, golpeador o protector (a veces también uno superior), para evitar que los rasgueos y golpes que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el Flamenco, afecten a la madera.

1.4 Guitarras rusas
Estas guitarras contienen siete cuerdas en vez de seis. La afinación de esta guitarra es completamente distinta a la española, ya que no es simplemente una guitarra acústica con una cuerda añadida. Tradicionalmente, se utiliza una afinación abierta en Sol mayor.
1.5 Guitarras eléctricas
Una guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores electromagnéticos llamados "pastillas" que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay tres tipos fundamentales de guitarras eléctricas: las de cuerpo sólido, las de cuerpo semi sólido y las de cuerpo hueco. Históricamente las primeras en inventarse fueron las de cuerpo hueco, al derivarse de guitarras de caja a las que se incorporaba un micrófono para poderse escuchar en las bandas de jazz.
Las guitarras de cuerpo sólido carecen de caja de resonancia, de forma que el cuerpo es un trozo de madera en el que van embutidos los micrófonos o "pastillas". Las guitarras eléctricas de cuerpo semi sólido se caracterizan por tener, a veces, agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos. Las guitarras semisólidas,tienen un bloque central para evitar los acoples.
La guitarra eléctrica necesita siempre ser conectada a un amplificador o a un sistema de amplificación, mesas de mezclas, etc., mediante un cable (normalmente un conector jack 6,3 mono). La guitarra eléctrica es uno de los instrumentos más importantes hoy en día, y aún diríamos imprescindibles en muchos géneros musicales modernos.
Entre los fabricantes reconocidos de este tipo de guitarras se encuentran marcas como Gibson, Ibanez, Fender, Parker, Jackson, PRS y muchos más.

1.6 Guitarras electroacústicas
Son guitarras de caja (española o acústica) que poseen un previo de amplificación electrónico para conectarse a una fuente amplificada externa. También son llamadas guitarras electrificadas, término que hemos de reputar sinónimo, y que resalta el hecho de que el sistema de previo puede haberse instalado en origen o por el propio usuario.
La electrificación de una guitarra de caja elimina el uso del micrófono, ya que se conecta como una guitarra eléctrica a un amplificador externo. Ello evita en gran medida los acoples y facilita la labor del ingeniero de sonido en las grabaciones. Sin embargo, el sonido no es exactamente el mismo, ya que el micrófono que recoge el sonido se encuentra dentro de la caja y no fuera, que es donde se escucha el sonido real de la guitarra.
La diferencia con una guitarra eléctrica de caja (que son las que se usan habitualmente en jazz) es sobre todo el tipo de pastilla, pues mientras estas guitarras usan piezos y dan un sonido más natural, la guitarra eléctrica normalmente usa pastillas magnéticas y da un sonido nuevo y distinto.

1.7 Guitarras midi
Son guitarras especiales o adaptadores para guitarras convencionales que permiten controlar un sintetizador vía midi (protocolo de transmisión de datos que permite enviar información musical entre distintos dispositivos conectados por medio de cables). De esta manera, un guitarrista que no tiene habilidad para ejecutar un teclado o un órgano electrónico puede dispararlos desde una guitarra midi.
Una técnica básica es la de utilizar un conversor monofónico de frecuencia de audio a midi tomando la señal de audio de la guitarra por medio de colocar un micrófono en la boca de la misma o por medio de su salida de audio. También se comercializan puentes más sofisticados que pueden detectar la vibración de cada cuerda por separado de tal forma de poder ejecutar acordes, es decir, que poseen polifonía de 6 voces o simultaneidad de disparo de notas.

1.8 Otras guitarras
La guitarra acústica original fue la base de experimentaciones muy numerosas desde su invención, y sólo una parte de estos instrumentos son todavía utilizados hoy, hasta de manera marginal.
Existen por ejemplo unas guitarras con un número diferente de cuerdas: a menudo encontramos en los grupos guitarras acústicas de doce cuerdas llamadas bajosexto: las seis acostumbradas, acopladas individualmente a su octava respectiva (salvo las dos más agudas, que quedan duplicadas al unísono). El guitarrista de jazz Tiny Grimes utilizaba una guitarra de cuatro cuerdas. Ciertos músicos clásicos como Narciso Yepes tocan una guitarra de diez cuerdas, independientes o duplicadas. Algunos tocan también guitarras con tres cuerdas, como los miembros del grupo de rock Presidents of the United States of America, que utilizan una guitarra entre las que tres de seis cuerdas han sido retiradas, y un bajo de dos cuerdas. De la misma manera, Keith Richards (guitarrista de los Rolling Stones), a menudo retira la cuerda de mi grave de sus guitarras.
También se pueden citar:
la guitarra fretless (sin trastes), cuyo mástil es completamente liso, sin trastes, con lo cual las notas se obtienen a manera de un violonchelo (la afinación no viene dada por el traste, sino que hay que “buscarla”);
la guitarra barítono, que se acerca al bajo;
los modelos para aprendizaje, de dimensiones reducidas (talla 1/2 o 3/4), para facilitar su encargo por niños;
la “guitarra de juguete”, un elemento ineludible en los catálogos de juguetes.
guitarra con doble diapasón. Permite tocar con dos distintas afinaciones (de manera alternativa o incluso simultánea) durante la misma obra, sin tener que cambiar de guitarra.
guitarra eléctrica sin clavijero, construida desde mediados de los años ochenta por la empresa Steinberger. El clavijero se encuentra en el puente de la guitarra, en lugar de estar en la cabeza.
guitarra slide o guitarra horizontal. se usa casi siempre con el slide o tubo de metal o vidrio que cubre todo el dedo.

2 Historia
Existen evidencias arqueológicas de que en 1400 aec los hititas crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira —el instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo— pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra.
En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitar, palabra que proviene de dos palabras indoeuropeas que darían origen a la palabra española “guitarra”:
la raíz guit (que produjo las palabras sánscritas guitá: ‘canción’, o sangit: ‘música’) y
la raíz tar, que significa ‘cuerda’ o ‘acorde’.
Estos instrumentos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kizára, que los ingleses transliteran kithara. Luego tomaron este nombre e instrumento modificándolo por kíttara y chíttara, que en castellano se terminó llamando cítara.
El primer instrumento con mástil fue el laud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino «laúd». Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe bajo dominación musulmana.
En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanz compone su Instrucción de música sobre la guitarra española y métodos de sus primeros rudimentos hasta tañer con destreza. Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes" (pares de cuerdas).
En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y egregio lexicógrafo español, llegó a decir: “La guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un campesino que no sea un guitarrista".
Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención de los franceses, muy reivindicativos en este punto) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la guitarra tal como los luthieres españoles la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo C. F. Martin.
A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. (Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás). Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas.
En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustín Caro, Manuel González, Antonio de Lorca, Manuel Gutiérrez y otros constructores europeos incluyendo a René Lacote y a Johann Stauffer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra clásica moderna. Johann Stauffer, vienés, tiene una reputación legendaria. Como adelantábamos, en su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a los Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer intérprete de los conciertos del violinista genovés Paganini (1782-1840). Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que todavía se usan en las guitarras modernas.
Hacia 1850, la guitarra se preparó para el más importante desarrollo que hubiera tenido desde sus comienzos: el trabajo de don Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julian Arcas y sus propias y brillantes intuiciones, don Antonio Torres Jurado refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos así como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra ya estaba preparada tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental.
El luthier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en piezas renacentistas y barrocas.

3 Partes de la guitarra

Algunas guitarras poseen más de un diapasón (máximo conocido 5 mástiles) o sobrepasan las 7 cuerdas.
Clavijero
Situado en el extremo del diapasón, es sobre este que vienen las cuerdas para atarse. Su tensión puede modificarse para la afimación mediante un sistema de tornillos sin fin impulsados por las clavijas, que implican pequeños rodillos sobre los cuales se envuelven las cuerdas. Éstas pasan a continuación por el puente superior, en el cual se cavan pequeños surcos que guían cada cuerda hacia el diapasón hasta llegar al clavijero. El clavijero puede llamarse también pala o maquinaria de este mecanismo depende la afinación de las cuerdas de la guitarra.

4 Afinación
Las cuerdas de la guitarra se nombran de abajo hacia arriba —desde las más agudas a las más graves— con números ordinales: primera cuerda o cuerda prima, segunda cuerda, tercera cuerda, etc. También se las conoce con el nombre de su nota de afinación —como se hace también en los violines, violas, violonchelos y contrabajos—:
1. la cuerda mi (la primera cuerda, afinada en el mi4, siendo el do4 la nota central de un piano)
2. la cuerda si (la segunda cuerda, afinada en el si3)
3. la cuerda sol (la tercera cuerda, afinada en el sol3)
4. la cuerda re (la cuarta cuerda, afinada en el re3)
5. la cuerda la (la quinta cuerda, afinada en el la2)
6. la cuerda mi (la sexta cuerda, afinada en el mi2)
En algunas obras el compositor pide al guitarrista que baje dos semitonos (o sea un tono) la sexta cuerda —desde el mi2 al re2—.
En las partituras las cuerdas se nombran con números romanos: I, II, III, IV, V y VI. Las obras para guitarra se escriben en clave de sol, transpuestas una octava más aguda como si la guitarra fuera un instrumento más agudo: el mi4 de la primera cuerda al aire se escribe como si fuera un mi5 —el mi del cuarto espacio del pentagrama con clave de sol, contado de abajo hacia arriba—.
A las tres cuerdas más graves —la cuarta, quinta y sexta cuerda y, particularmente, a esta última— se las llama “bordonas”, debido a que “bordonear” es la ejecución de un bajo acompañante de una obra de música.
También se cambian las tonalidades de las cuerdas poniendo una cejilla que se sitúa un traste más alto por cada semitono que se quiera aumentar. Por ejemplo si se coloca una cejilla en el primer traste la afinación sería la siguiente: fa4, la#3, re#3, sol#3, do2 y fa2.
La guitarra de diez cuerdas es como la suma de una guitarra común de seis cuerdas y un contrabajo (afinado normalmente: sol2, re2, la1 y mi1).

5 Ejecución
La guitarra se toca apoyando la caja armónica sobre el regazo, con el mástil o diapasón hacia la izquierda. Esto hace que las cuerdas más graves queden arriba y las más agudas abajo.
Para tocar la guitarra se apoyan los dedos de la mano izquierda (para la gente que toque la guitarra como diestro) sobre algunas cuerdas, oprimiéndolas contra el mástil o diapasón justamente entre los trastes —resaltes de metal incrustados a intervalos en el mástil— de manera que a las cuerdas les quede la longitud libre correspondiente a la altura o sonido deseada.
Una vez que se ha fijado de esta manera la longitud de todas las cuerdas o de las cuerdas que se desea pulsar, la mano derecha las rasguea, puntea o arpegia, generando una melodía si toca un sonido por vez, un acorde si se ejecutan dos sonidos o más, o una armonía si se arpegia ese acorde.
Asimetría: Para los principiantes, la mano izquierda del guitarrista es la que realiza el trabajo más difícil para tocar la guitarra, ya que se debe apoyar la yema de todos los dedos de la mano —excepto el pulgar, que generalmente se ubica detrás del mástil de la guitarra— con mucha firmeza. Sin embargo, para los más expertos —una vez aprendidos los movimientos de la mano izquierda — la verdadera dificultad está en la habilidad con la derecha.
En la guitarra electrica se suelen utilizar diversas tecnicas principalmente en el rock. Entre ellas se encuentran el tapping (popularizado por Eddie Van Halen); el sweep picking (Malmsteen, Jason Becker), etc.

Cursos
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Mini diccionario de acordes (5500)

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Programas

AIMP:

LINK DE DESCARGA:
http://rapidshare.com/files/113093243/aimp_2.11.zip

exelente reproductor se los recomiendo, tiene variabilidad de sonidos, es uno de los mas ocupados.
es mejor que winamp a mi gusto. es 100% confianble

guitar pro 5.2:
exelente programa para musics que te ayuda a ver tablaturas de una forma muy facil con un sonido midi pero con RSE se soluciona ese problema ojala te guste

LINK DE DESCARGA:

http://rapidshare.com/files/113321963/Guitar.Pro.v5.2.Multilingual.rar

Google earth professional

Exelente programa para ubicar cualquier direccion que quieras atraves de satelites que te permite ver el mundo entero

Link de descarga:
http://rapidshare.com/files/113239993/Google_Earth_Pro_GOLD__Original_.rar

Mozilla firefox

Aqui te dejo un exelente navegador ojala te sieva

Link de descarga:
http://rapidshare.com/files/113320212/Firefox_Setup_2.0.0.14.exe

Acustica breatcraft
Programa para crear baterias para temas que quieras grabar muy buen programa para crear bases para tus temas recomendado aqui su link:
http://rapidshare.com/files/114188255/acoustica_beatcraft_v1_02_13__keygen.rar

Etesoft
exelente convertor de formatos de video hay miles de combinaciones para que cambies lel formato de tus videos de una manera simple y rapida
http://rapidshare.com/files/118452124/2114EVC.v1.0.rar

Lecciones y musica

Lecciones de teclado

keyboard wizardry

Lecciones de bajo

Slap it!
Lecciones de bajo de slaop esta buenisimo recomendado tiene sus correspondientes tablaturas en pdf y sonido mp3 para que logres tokarlo aqui el link
http://rapidshare.com/files/114183258/Ejercicios_de_Bajo.rar

Lecciones de guitarra

Guitar GYM
Lecciones de guitarra electrica muy bueno para cualquier nivel de guitarra tien sus correpondintes mp3 y las tablaturas en pdf aqui estan los link (son 3 partes)
http://rapidshare.com/files/113548963/GTMAGs.part1.rar
http://rapidshare.com/files/113565199/GTMAGs.part2.rar
http://rapidshare.com/files/113565584/GTMAGs.part3.rar

Hot licks
Lecciones de guitarra del gran yngwie malsteen donde te enseña escalas neo-clasicas algunos de sus temas trucos, ademas tiene videos tocando con su banda esta genial

links:
http://rapidshare.com/files/117344505/Guitar_Lesson_-_Yngwie_Malmsteen_-_Hot_Licks.part1.rar
http://rapidshare.com/files/117365944/Guitar_Lesson_-_Yngwie_Malmsteen_-_Hot_Licks.part2.rar
http://rapidshare.com/files/117383364/Guitar_Lesson_-_Yngwie_Malmsteen_-_Hot_Licks.part3.rar
http://rapidshare.com/files/117403563/Guitar_Lesson_-_Yngwie_Malmsteen_-_Hot_Licks.part4.rar
http://rapidshare.com/files/117411213/Guitar_Lesson_-_Yngwie_Malmsteen_-_Hot_Licks.part5.rar

Kill 'Em All
Kill 'Em All es el primer álbum de estudio del grupo de Thrash metal Metallica, y es considerado como uno de los discos que asienta las bases del Thrash Metal. Fue grabado en solo dos semanas con muy poco presupuesto y se vendieron 65 mil copias aproximadamente[1] en todo el mundo. La reedición de 1988 del álbum por Elektra Records añadió las canciones "Blitzkrieg" (una canción de la banda del mismo nombre) y "Am I Evil?" (de Diamond Head). Ambas versiones fueron previamente editadas como Garage Days Re-Revisited en la cara b del EP de Creeping death de la compañía Music For Nations en 1984.

http://rapidshare.com/files/113583663/Kill_em_All.rar

Ride the Lightning
Ride the Lightning es el segundo álbum del grupo de thrash metal Metallica.

Como Master of Puppets y ...And Justice for All, Ride the Lightning es parcialmente conceptual; las canciones no narran una historia pero tratan el mismo tema, en este caso la muerte. Por ejemplo, "Fade to Black" es sobre el suicidio, "Fight Fire With Fire" es un comentario acerca de la guerra nuclear, "Ride the Lightning" sobre la silla eléctrica, "For Whom the Bell Tolls" trata sobre la muerte en la guerra y está basada en el libro homónimo de Ernest Hemingway. "Trapped Under Ice" podría ser interpretada como refiriéndose a ahogarse o congelarse y "Creeping Death" detalla la esclavitud de los judíos y las plagas de la Biblia.

Sobre este disco, existen 2 versiones. Un cover azul lanzado en 1985 y un cover verde lanzado en 1984. Antes del lanzamiento, en Francia se vendio por equivocación 10.000 copias con este cover verde. Ahora esta versión es considerada de colección para los fans.

http://rapidshare.com/files/113944041/Ride_The_Lightning.rar

Master of Puppets
Master of Puppets es el tercer álbum del grupo de thrash metal Metallica. Fue lanzado en 1986, y fue el último albúm grabado junto al bajista Cliff Burton que moriría trágicamente en septiembre de ese mismo año en un accidente de autobús. Este álbum es considerado una obra maestra del thrash metal con canciones como Master of Puppets, Battery y Welcome Home (Sanitarium)

http://rapidshare.com/files/113771604/METALLICA_-_MASTER_OF_PUPPETS.rar

... And Justice For All
... And Justice For All es el cuarto álbum del grupo heavy metal Metallica editado en 1988.

Ese es uno de sus álbumes más oscuros con ritmos de batería pesados y rápidos, muy complejos y con un bajo igual de fuerte. Sus letras llevan una constante crítica social, política y ecológica ("Blackened"

.

Este disco se convirtió en el ascenso total de la banda al estrellato, ya que fueron nominados a los Grammy y a los MTV Video Music Awards por su vídeo “One”, aunque al final no se lo otorgaran, pese a ser considerados los favoritos para el premio (el premio lo obtuvo la banda Jethro Tull ).

La canción To Live Is To Die está dedicada a la memoria de Cliff Burton, el gran ex bajista de Metallica que murió en Septiembre del 1986. Contiene un poema escrito por el mismo, que es la única lírica de toda la canción, y fue elaborada a base de riffs escritos por el difunto Burton. Cabe resaltar el sonido diferente a sus álbumes anteriores debido al uso de equipo distinto para acentuar el sonido agresivo.

En este álbum algunas canciones trataban de la política y la contaminación ambiental; tal el caso es Blackened.

Otro dato es que en sus presentaciones en vivo, la banda tiene muchos problemas al interpretar las canciones de este álbum debido a su gran complejidad y elevado numero de cambios y acordes, es por eso que no se les oye mucho tocar alguna de las canciones de este álbum.

http://rapidshare.com/files/113578854/And_Justice_For_All.rar

The Black Album
Metallica (También conocido como El Álbum Negro), es el quinto disco de la agrupación Metallica. Fue el primer álbum de Metallica producido por Bob Rock, con canciones como "Enter Sandman", "Holier than Thou", "Sad but True", "The Unforgiven" y "Nothing Else Matters". Vendió más de 500.000 copias en su primera